Chris Ofili

n. 1968, Mánchester, Reino Unido; vive en Puerto España, Isla Trinidad

Iscariot Blues (Los blues de Iscariote), 2006

Óleo y carbón sobre lino, 110 5/8 x 76 3/4 pulgadas.

Iscariot Blues de Chris Ofili es una pintura de 2006. Está hecha con óleo y carbón sobre lino. Mide aproximadamente nueve por seis pies. Cuelga en orientación vertical, es decir que su lado más corto está en paralelo con el piso.

La pintura retrata el ahorcamiento de una figura mientras otras dos miran.

La pintura es monocromática, lo que significa que está compuesta principalmente de un sólo color con distintas tonalidades. El fondo de la composición es azul oscuro. De la parte superior del lienzo, cuelgan hojas, ramas y enredaderas que caen hacia la parte inferior de la imagen. Son principalmente negras con varios tonos de azul oscuro. Debajo de ellas hay dos figuras en vestimenta de campesino. Sus rasgos están muy oscurecidos y su piel es principalmente negra. La figura del lado izquierdo lleva puesta una camisa rayada y sostiene lo que parece una maraca. A su derecha, la otra figura está sentada, vistiendo una camisa de color liso con un cuello grande. Carga lo que parece ser una guitarra o un banjo. A su derecha cuelga la figura del ahorcado que se muestra desnuda. Su piel parece estar pudriéndose o convirtiéndose en follaje. Su cabeza apunta hacia el cielo y parece tener una expresión calmada. Las tres figuras están sobre una horca desprovista de rasgos, hecha de vigas rectangulares.

Chris Ofili is a British contemporary artist known for his distinctive and often provocative artworks that explore themes of identity, race, cultural heritage, and spirituality. Ofili gained prominence in the 1990s for his unique approach to painting, which often combines a variety of materials, including glitter, resin, beads, and elephant dung.

He studied at the Chelsea School of Art in London and the Royal College of Art, where he developed his artistic style and experimented with different techniques.

He frequently incorporates references to African and Afro-Caribbean cultures in his works, exploring issues of cultural hybridity and identity. He also draws inspiration from European histories, biblical stories, spirituality, and personal experiences to weave together narratives from different cultures and mythologies to create layered artworks both physically and conceptually.

Francisco Sobrino

b. 1932, Guadalajara, Spain; d. 2014, Paris

Transformation instable, juxtaposition, superposition, 1963/2014 ( (Transformación inestable, yuxtaposición, superposición 1963/2014).

Plexiglás entintado.

Collection Pérez Art Museum Miami, gift of Karen Bechtel

Transformation instable, juxtaposition, superposition, 1963/2014 de Francisco Sobrino es una escultura realizada entre 1963 y 2014. Está hecha con plexiglás entintado. Mide aproximadamente quince por cinco pies.

La escultura adopta la forma de una “T” minúscula con un cuadrado que la rodea si se ve de frente. Sin embargo, como está conformada de varias capas de plexiglás, adopta diferentes formas dependiendo del ángulo en el que la pieza es vista. Todas las piezas de plexiglás tienen la misma forma cuadrada y están entintadas en el mismo tono de morado claro. Conforme las capas de plexiglás se hacen más y más densas, el tono de la escultura se oscurece más en esas secciones en comparación con las secciones con menos capas de plexiglás. Esto genera la impresión y la sensación de una forma casi flotante que parece una nube, con variaciones de densidad y peso.

Francisco Sobrino nació en 1932 en Guadalajara, España, y luego se estableció en París, en donde fungió como un artista clave en el desarrollo del arte cinético y óptico a mediados del siglo XX. Su innovador acercamiento al arte se centró en la abstracción geométrica y la manipulación de materiales para crear obras de arte dinámicas y visualmente atractivas. Sobrino fue una figura destacada en la corriente del arte cinético, que se enfocó en la integración del movimiento y de efectos ópticos en el arte. Junto con artistas como Jesús Rafael Soto y Victor Vasarely, contribuyó de manera importante a dar forma a este movimiento. Sus obras de arte son reconocidas por su capacidad para transformarse y evolucionar a medida que el espectador interactúa con ellas, personificando la naturaleza participativa del arte cinético.

Las formas geométricas sencillas como cuadrados, rectángulos y cubos, eran fundamentales en el lenguaje visual de Sobrino. Construía elaboradas composiciones a partir de estas figuras que parecían pulsar, transformarse y vibrar. Sobrino utilizó una variedad de materiales, principalmente plexiglás y metal, que manipulaba para producir ilusiones ópticas y efectos dinámicos.

Ernesto Neto

n. 1964, Río de Janeiro; vive en Río de Janeiro

Cai Cai Marrom, 2007.

Poliamida, madera y especias; 196 3/4 x 118 x 118 pulgadas.

Colección del Pérez Art Museum Miami, adquisición del museo con fondos proporcionados por el Consejo de Coleccionistas de PAMM

Cai Cai Marrom de Ernesto Neto es una escultura de 2007. Está hecha de poliamida, madera y especias. Mide aproximadamente dieciséis pies por diez pies por diez pies.

La escultura está hecha de poliamida, un material textil también conocido como lycra. La gran pieza central es de una tela de color marrón-rojizo pero translúcido y cuelga del techo. Desde esta pieza central, cuya base tiene forma principalmente redonda (salvo por el pico singular del que cuelga), unos agujeros de tamaño medio dan paso a tramos de tela de color marrón más oscuro que se rellenan con especias, mismas que le dan peso y obligan a la tela a estirarse hacia el suelo.

Ernesto Neto es un artista brasileño. Es conocido por su particular selección de materiales que a menudo incluyen elementos suaves, táctiles y semitraslúcidas, como la lycra, las medias y el nylon. Neto utiliza estos materiales para crear formas orgánicas de gran escala que con frecuencia parecen desdibujar el límite entre los organismos vivientes y los objetos inanimados. Sus esculturas e instalaciones, que suelen colgar del techo de las galerías o se presentan de tal manera que invitan al espectador a interactuar con ellas, tienen que ver con la estimulación táctil tanto como con la estética visual.

Una característica distintiva de la obra de Neto es su profundo énfasis en el estímulo sensorial. Con frecuencia impregna sus instalaciones con especias fragantes, hierbas aromáticas y otros olores que hacen del aire una experiencia olfativa. A diferencia de la mayoría de las obras de arte más tradicionales, Cai Cai Marrom, como gran parte de la obra de Neto, extiende una invitación al espectador para que interactúe con la pieza de diferentes maneras, llevándolo, por ejemplo, a tocarla e incluso a reposar sobre ella.

El arte de Ernest Neto está profundamente anclado a una diversa gama de influencias que incluyen la cultura brasileña, las tradiciones indígenas y la espiritualidad. Se inspira en la riqueza de la vida brasileña e incorpora elementos del chamanismo y prácticas rituales en sus instalaciones. Esta infusión de temas culturales y espirituales subraya su interés en la conexión, la comunidad y el cuerpo humano. Las instalaciones de Neto trascienden la experiencia sensorial y suelen presentar un trasfondo social y político. Utiliza el arte como un poderoso medio de comunicación en el que aborda temas como la sustentabilidad ecológica, los derechos indígenas y la diversidad cultural.

Miguel Angel Ríos

b. 1943, Catamarca, Argentina; vive entre New York y Mexico

Plumed Crest (Cresta emplumanda), 1993.

Pintura, impresiones Ilfocrome plegadas y montadas sobre lienzo, tachuelas y dibujo mural en grafito; 137 1/2 x 236 pulgadas.

Colección del Pérez Art Museum Miami, donación anónima.

Plumed Crest de Miguel Angel Ríos es una obra de técnica mixta de 1993. Está hecha con pintura, impresiones Ilfocrome plegadas y montadas sobre lienzo, tachuelas y un dibujo mural en grafito. Mide aproximadamente once por veinte pies. La pieza consiste en un mapa grande que ha sido cortado, doblado y posteriormente fijado sobre un lienzo. Está recubierto de grafito. La textura arrugada del mapa crea la impresión de cordilleras y valles cuando se ve de cerca, y de plumas cuando se ve de lejos. El mapa no está pegado en secuencia, sino desplazado en un patrón circular que crea el efecto de un mapa distorsionado que ondula desde los puntos cardinales visibles en la parte inferior central de la obra. La pieza tiene varios tonos de blanco roto, con toques de negro, rojo, amarillo y azul en un patrón que rodea la forma arqueada que hace la pieza.

Miguel Angel Ríos es un reconocido artista contemporáneo multidisciplinario de Argentina. Su práctica abarca desde videoarte y fotografía hasta instalación y escultura. Su obra suele estar cargada de narrativas políticas; Plumed Crest, por ejemplo alude al colonialismo y los efectos que ha tenido en los nativos americanos.

Es conocido por sus obras de arte multidimensionales e inmersivas que combinan video, fotografía, escultura e instalación, captando la atención del espectador y haciéndolo cuestionar sus percepciones.

La práctica de Ríos se centra en una exploración de las fronteras, la violencia y los temas socio-políticos que permean las regiones fronterizas. Su crianza en Argentina y sus experiencias viviendo tanto en Argentina como en Estados Unidos, han influenciado profundamente su arte. Este hilo temático entreteje gran parte de su obra, reflejando las consecuencias humanas de las fronteras y las realidades, a menudo crueles, a las que se enfrentan aquellos que deben atravesarlas.

Carlos Amorales

b. 1970, Mexico City; lives in Mexico City

Dark Mirror (Espejo oscuro), 2008/2018 Resina y pintura automotriz

Aproximadamente: 162 x 132 inches

Colección del Pérez Art Museum Miami, adquisición del museo con fondos proporcionados por Carol y George Crapple

Dark Mirror de Carlos Amorales es una escultura de 2008 y de 2018. Está hecha de resina y pintura automotriz. Mide aproximadamente trece pies y medio por once pies.

La escultura tiene la forma de lo que parece un pájaro. Está tendida en el suelo con las alas extendidas. Está pintada con pintura negra brillante que le da un efecto de espejo. La escultura está hecha en su totalidad de pequeñas piezas que dan la impresión de que el pájaro está hecho de cristal, y que al caerse se hizo añicos en el suelo. A través de las grietas entre las piezas se ve el suelo de la galería.

Carlos Amorales es un artista multidisciplinario mexicano conocido por su diversa práctica artística que abarca una variedad de medios, entre ellos el dibujo, la pintura, la escultura, el video, el performance y la animación. Amorales ha desarrollado un distintivo lenguaje visual que combina el folklore mexicano con la mitología y con influencias contemporáneas y globales.

Al centro de la obra de Carlos Amorales está un lenguaje visual que ha desarrollado meticulosamente a lo largo de los años conocido como el “Archivo líquido”. Esta amplia colección engloba dibujos, animaciones y otro tipo de obras caracterizadas por un repertorio de pictogramas y símbolos exclusivos de Amorales. Estos símbolos sirven como una enciclopedia visual de su vocabulario artístico, tendiendo un puente entre la abstracción y la representación, la tradición y la innovación.

Por medio de su arte, Amorales se adentra en cuestiones de identidad cultural, identidad lingüística y la manera en que los símbolos e imágenes dan forma a nuestro entendimiento de nosotros mismos y de la sociedad.

Patrick Dean Hubbell

n. 1986, Navajo, Nuevo México; vive en Navajo

You Keep Our Spirit Safe Between All Within the Day to Night (Tú mantienes nuestro espíritu a salvo entre el día y la noche), 2022

Óleo, acrílico, esmalte, dispersión acrílica, costura sobre lona y bastidor de madera

76 x 72 pulgadas

You Keep Our Spirit Safe Between All Within the Day to Night es una pintura sin tensar hecha de óleo acrílico, esmalte, dispersión acrílica, costura sobre lona y un bastidor de madera. La obra cuelga en orientación vertical, lo que significa que su lado más corto está en paralelo con el piso. En total, la obra mide un poco más de seis pies de alto y exactamente seis pies de ancho.

La pintura se asemeja a un tapiz tejido, con múltiples capas de lona sobrepuestas y unidas por un único bastidor que cuelga horizontalmente de la pared. La capa de lona delantera y más corta permanece cruda, con flecos en los extremos que se extienden a lo largo de toda la obra. Su base de color tostado está pintada con salpicaduras negras y rojas que evocan sangre, mientras que su superficie está cubierta de un dibujo uniforme de cruces blancas. Por debajo y ligeramente hacia la derecha de esta lona corta, un pedazo más largo de lona está pintado de blanco con un patrón uniforme de cruces que escurren con pintura negra. Debajo de esta capa, dos piezas de lona del mismo largo forman la base de la pieza. Las esquinas del tejido tienen un tratamiento que genera la impresión de que tienen borlas colgando de sus extremos. La pieza de la izquierda está cubierta de toscas rayas blancas y negras, y toda su superficie está salpicada con pintura negra. Mientras tanto, la pieza del lado derecho está pintada de negro con un patrón de zigzag dibujado burdamente en blanco, y con pintura que escurre de los zigzags como si sangrara sobre la superficie.

Patrick Dean Hubbell es un artista nativo americano contemporáneo conocido por sus intrincadas y culturalmente ricas obras de arte que profundizan en su herencia e identidad navajo. Inspirándose en su ascendencia navajo, el arte de Hubbell teje un tapiz de simbolismo, patrones e imágenes basadas en la cultura, la espiritualidad y la tradición navajo. Su práctica artística abarca una amplia gama de medios incluyendo pintura, dibujo, grabado y técnicas mixtas.

Central en la práctica de Hubbell está una exploración de la identidad, tanto personal como colectiva. Su obra aborda la compleja relación entre su identidad contemporánea como artista nativo americano y la herencia y tradiciones profundamente arraigadas del pueblo navajo. A través del uso de símbolos y motivos, Hubbell navega la compleja relación entre tradición y modernidad.

Leslie Martinez

n. 1985, McAllen, Texas; vive en Dallas, Texas

Twisting Roots Summon the Thorns (Las raíces torcidas invocan espinas), 2023.

Retazos de tela y papel, carboncillo, balasto fino, piedra pómez y acrílico sobre lienzo; 90 x 70 x 5 pulgadas

Donación de Michael Sobel

Twisting Roots Summon the Thorns de Leslie Martinez es una obra de técnica mixta del 2023. Está hecha de retazos de tela y papel, carboncillo, balasto fino, piedra pómez y acrílico sobre lienzo. Mide aproximadamente siete pies y medio por seis pies por cinco pulgadas. Cuelga en orientación vertical, lo que significa que su lado más corto está en paralelo con piso.

La obra es un ejemplo de abstracción.

La pieza se conforma de colores brillantes y texturas exuberantes que se extienden en el plano bidimensional de la pintura tradicional. La mayor parte de la pieza es de un intenso azul claro, que sumado a la textura sobrepuesta del papel y la tela, da la impresión de olas chocando entre sí en el océano. Dispersos a lo largo de la obra hay brotes de colores: verdes que parecen cerros cubiertos de pasto, y rojos intensos rodeados de amarillos y naranjas que parecen reflejos del sol. También hay elementos de sombras oscuras cuyos negros dan más profundidad a la obra y grises claros que ayudan a crear una sensación de movimiento.

Leslie Martínez es una artista trans del Valle del Río Grande, en la frontera entre el sur de Texas y México. En su trabajo, ellx emplea materiales reciclados de su estudio para crear piezas densamente texturizadas y brillantemente recubiertas como un medio para reflexionar acerca del clima, tanto en el entorno físico como en la sociopolítica, y cómo ambos pasan por un ciclo de daño y sanación. La pieza ofrece una perspectiva de un mundo que reconoce la autodeterminación, la alegría y la resistencia.

Tidawhitney Lek

n. 1992, Long Beach, California; vive en Los Ángeles

Finding Faith (Encontrando la fe), 2022

Acrílico y pastel sobre lienzo, 72 x 144 pulgadas en total

Colección del Pérez Art Museum Miami, adquisición del museo con fondos proporcionados por el Consejo de Coleccionistas de PAMM, con fondos adicionales proporcionados por Camille y Patrick McDowell, James Curnin, Frank Destra, y Lorena y Evelio Gómez

Finding Faith es una pintura hecha con acrílico y pastel sobre lienzo. La obra está en orientación horizontal, lo que significa que su lado más largo está en paralelo con el piso. En total, la pintura mide seis pies de alto por doce de ancho.

Esta pintura desdibuja la línea entre el espacio interior doméstico y el mundo exterior. Es una representación colorida de una habitación con los muros rosas cenizos, vistos desde la orilla en donde el piso coincide con la pared.

Del lado izquierdo de la pintura, hay un clóset con la puerta abierta, hecho con pinceladas de tinta negra oscura. De las sombras surgen prendas de ropa —mangas de chaquetas y otros artículos— hechas con pinceladas coloridas. Justo abajo de la ropa, hay un par de manos verdes con largas uñas de color coral. Las manos verdes flotan en la oscuridad, como si pertenecieran a un monstruo o alguna criatura de otro mundo. El piso del clóset está pintado de un color marrón-arena. Hay largos pastos esparcidos. El marrón-arena se extiende sobre el piso de la habitación, como si se desbordara del clóset hacia el interior.

Sobre una de las puertas corredizas del clóset, hay una imagen de un monje con una túnica naranja. El monje está retratado de espaldas al espectador dando un paso hacia adelante; a su costado hay una columna tallada de color mármol. En el panel de atrás, del cual apenas se alcanza a ver una pequeña franja, hay un cielo en el atardecer. En la parte inferior de esta franja, hay una cara blanca de lo que parece una bestia de teatro tradicional asiático. La cara está pintada a manera de caricatura, y tiene un gran ojo negro con el iris blanco, y una boca grande y roja con dientes afilados. Una mano con piel morena oscura y largas uñas rosas envuelve el borde de la puerta del clóset que tiene la imagen del monje.

En la mitad derecha del cuadro, hay una puerta abierta a través de la cual se ve un cielo al atardecer. Hay unas nubes de tinta pintadas en tonos cremosos de naranja, amarillo, rojo rubí y azul cerúleo. Hay un cuerpo caminando hacia afuera del marco de la puerta, con el borde de una falda estampada en zigzag y un pie puntiagudo usando un zapato de tacón dorado. A la derecha de esta puerta abierta, está el borde de una ventana por la cual se ve un cielo azul a través de unos barrotes de hierro negro. Rosas de color lila se asoman desde la ventana hacia el espacio interior de la habitación.

Tidawhitney Lek is an artist from California of Cambodian descent. Her work focuses on her experiences with her family as a person from Cambodia and the generational trauma she recognized within her family upon her graduation from college. She has stated that the use of hands emerging from spaces in her work is a representation of trauma and how it can appear in unexpected places. The use of multiple frames and different sceneries represent familiar memories and the motif of the closet represents where the memories are being hidden from future generations. Her paintings explore how in an effort to protect younger generations, histories can be lost and forgotten while also creating distrust and confusion.

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