La primera parada en este recorrido se centra en La hebra, una pintura temprana en las travesías y la carrera de Mariano. Dado que el artista pasó una buena parte de la década de 1930 en México, esta obra está sumamente influenciada por el trabajo de pintores mexicanos como Diego Rivera, cuyo estilo se distingue por representar la figura humana con gruesas extremidades, grandes rasgos faciales y la tez anaranjada. En aquel entonces, los artistas de ese país estaban creando un nuevo estilo nacionalista de arte mexicano que integraba el legado indígena. Fueron los artistas como Rivera quienes construyeron la identidad mexicana visual con esta singular mezcla de culturas azteca, olmeca, tolteca, maya y europea, que es posible apreciar en las obras de Mariano correspondientes a la época.

Desde el punto de vista de la continuidad y el cambio, y para ayudar a entender mejor el concepto, abajo se muestra la imagen de una cabeza colosal tallada por los olmecas mesoamericanos. Muchos historiadores del arte consideran que estas enormes esculturas influyeron en los pintores mexicanos de los años treinta. Esos grandes rasgos redondeados persistieron hasta el siglo XX; la diferencia estriba en la forma, dado que se trataba de esculturas, y en el medio, por el empleo de la piedra y no de la pintura sobre un lienzo.

La hebra es una pintura en óleo sobre lienzo creada por Mariano Rodríguez en 1939. Mide 36” de alto y 30” de ancho, lo que equivale a 3’ de alto x 2 1/2’ de ancho. Cuelga en orientación vertical, lo que significa que su lado más corto está en paralelo con el piso de la galería.

La imagen más prominente en la obra es la de una mujer sentada en un habitación tirando de un hilo largo. En esta pintura predominan tonos cálidos de naranja y rosa. El artista utiliza la técnica común de la perspectiva lineal para dar mayor profundidad a la obra. Angulando las líneas de diversas maneras, crea la ilusión de que la mujer se encuentra en el primer plano de la pintura y que detrás de ella, otros detalles completan su entorno. El piso de la habitación donde se encuentra la figura tiene baldosas de terracota. A la izquierda del espectador, y a la derecha de ella, hay una puerta abierta que da a un jardín, acentuando la profundidad de la obra. A la derecha del espectador, y a la izquierda de la mujer, se ve la esquina de la habitación.

Esta figura principal está sentada en una silla madera, un tanto girada hacia la puerta abierta a la izquierda del espectador. Tiene las rodillas juntas y los pies en un ángulo, por lo que sólo la bola y los dedos de los pies están en contacto con las baldosas. El brazo derecho, a la izquierda del espectador, está extendido por encima de la cabeza, con el codo ligeramente doblado. Este es el brazo con el que tira de una hebra larga y fina que sale del dobladillo del vestido que lleva puesto, el cual termina a mitad del muslo. El antebrazo izquierdo, a la derecha del espectador, lo tiene posado sobre la falda y con esa mano, sostiene entre los dedos el dobladillo de la prenda. Se trata de un vestido holgado de color rojo claro, con muchos pliegues y toques de luz, reproducidos con pintura blanca, para reflejar la iluminación que entra en la habitación por la puerta en el lado izquierdo de la obra. El vestido es corto y no tiene mangas, dejando expuestos los brazos y las piernas. Debajo del vestido, apenas se puede ver una enagua blanca bajo los pliegues de la tela. La mujer tiene la tez cobriza y el cabello negro y corto, justo debajo de las orejas. Tiene el rostro un tanto inclinado hacia abajo, prestando atención a la reparación que le está haciendo al vestido.

A través de la puerta, en la esquina superior izquierda de la pintura, se aprecia una escena. Más allá del umbral de la habitación, se puede ver una porción de tierra pintada frente a una cerca de madera. Detrás de la cerca, hay otra mujer trabajando al aire libre. Está representada en una pose dramática mirando hacia la derecha y en pleno movimiento, como indican los pliegues de su vestido al alejarse de ella. Lleva puesta una especie de vestidura sencilla, similar a la de la otra mujer y está de pie con ambos brazos extendidos detrás de la cabeza. Sostiene una vara larga o un poste que parece de madera y que se extiende diagonalmente tras su cabeza, apuntando hacia la esquina superior izquierda del lienzo. Parece estar levantando el poste con dificultad. Detrás de ella, hay una casa azul con el techo en guijarros de terracota y una puerta anaranjada.

Mujer con gallo es una obra pintada siguiendo una tendencia del arte europeo de principios del siglo XX conocida como fauvismo. El término proviene de la palabra en francés equivalente a fiera o animal salvaje. Algunos críticos del arte consideraban los colores empleados en el arte fauvista como antinaturales y por ello utilizaron el término para describir su aversión a este estilo. En Mujer con gallo, la influencia fauvista se aprecia en el púrpura y el turquesa utilizados para mostrar sombras en la piel de la mujer.

Una vez más, los temas de Mariano permanecen firmemente arraigados a su vida cotidiana en Cuba; sin embargo, su estilo ha cambiado, porque él ha cambiado. Ya para 1941, se vislumbra en su obra la influencia de las tendencias europeas prevalecientes en Nueva York. En 1944 se traslada a esa ciudad, donde continúa estudiando y asimilando la obra de los artistas franceses y de otras partes de Europa. Muchos de esos artistas habían huido hacia Nueva York ante el auge alcanzado por el fascismo y los gobiernos autócratas en Alemania, Italia, Francia y la Unión Soviética. Este es el periodo en su vida que se conoce como “París en Nueva York”.

A continuación se muestra un cartel alemán de 1938 en el que se anuncia una exposición de “arte degenerado”, un término inventado por los nazis para definir el arte que consideraban como que “destruye o confunde la forma natural o simplemente revela la ausencia de una destreza manual y artística adecuada…”.

El fauvismo cayó en esta categoría, al igual que muchos otros estilos visuales y arquitectónicos modernos considerados por los fascistas como producto de “razas inferiores”.

Mujer con gallo es una pintura en óleo sobre lienzo. Mide 32” de alto x 26” de ancho, lo que equivale a alrededor de 2 1/2’ de alto x un poco más de 2’ de ancho. Cuelga en orientación vertical, lo que significa que su lado más corto está en paralelo con el piso de la galería.

Esta obra representa a una mujer sentada con un gallo en la falda. La pintura tiene un estilo fauvista; es decir, que los colores se han pintado en secciones fuertes y contrastantes por toda la composición. Aquí los colores tienen prioridad sobre los objetos representados.

La mujer sentada ocupa la mayor parte del lienzo. Prácticamente alcanza el borde superior de la pintura con la coronilla y sus hombros amplios casi abarcan la anchura del lienzo. Continuando hacia abajo, tiene el pie derecho cruzado sobre la rodilla izquierda, cuya espinilla se prolonga hasta el borde inferior del lienzo. Tiene el cabello negro y largo, por encima del hombro derecho, a la izquierda del espectador. Tiene el rostro volteado y la mirada dirigida hacia el borde izquierdo del lienzo. Su rostro muestra una expresión neutral. El pico del gallo que reposa en su regazo está justo debajo de sus labios. El ave tiene la cabeza y el cuello estirados hacia arriba hasta casi alcanzarle la cara. Con el brazo derecho, a la izquierda del espectador, rodea el cuerpo del animal. Más abajo del brazo, las largas plumas coloridas de la cola del gallo se curvan hacia la parte inferior izquierda del lienzo. El brazo izquierdo lo tiene cruzado sobre la falda, detrás del ave.

La silla en la que está sentada la mujer es color naranja, con el tapizado del espaldar y las patas en azul. La escena representada parece desarrollarse al aire libre, con una variedad de flores y plantas altas y delgadas visibles a cada lado de la silla y follaje detrás de las patas.

En general, los colores seleccionados por el artista son intensos y variados. La mujer está pintada en una mezcla de tonalidades cálidas y frías que crean una combinación singular. El lado izquierdo del rostro, los brazos y las piernas de la mujer sentada están sombreados mayormente con púrpura, azul y matices de verde azulado y turquesa. El lado derecho del cuerpo tiene amarillo, naranja y rosa para hacer más pronunciados los lados luminosos del cuerpo. Todos estos colores yacen bajo una capa blanca que realza las gradientes cálidas y frías que componen su piel.

El pescador de Mariano Rodríguez continúa reflejando la trayectoria de sus viajes y la evolución de su estilo artístico. Durante la década de 1950, Mariano descubrió a un nuevo grupo de artistas en sus frecuentes visitas a Nueva York. Estos pintaban de una manera diferente, porque ya no se concentraban en captar objetos o personas del modo más cercano posible a su equivalente en el mundo real, sino que daban más importancia a la comunicación de emociones mediante los colores y las formas en sus obras. Por esa razón se les recuerda como expresionistas abstractos.

Siguiendo con el tema de este recorrido: la continuidad, o inmutabilidad, y el cambio, El pescador es otro ejemplo de la evolución estilística de Mariano. Puede que para muchos espectadores esta obra, titulada en honor a los muchos pescadores que se veían en las costas de Cuba, no parezca representar lo que el título describe. Sin embargo, el estilo de Mariano emula el de muchos de esos expresionistas abstractos que trabajaban en Nueva York. Las líneas intrincadas y las formas complejas se convierten en un espacio donde los espectadores tal vez pueden pensar menos en la imagen de un pescador y más en los detalles de lo que significa ser un pescador.

A continuación se muestra la obra titulada Woman I (Mujer I) de William de Kooning, un artista estadounidense de origen holandés. En esta pintura se puede apreciar como los expresionistas abstractos comenzaron a alejarse de la representación exacta de la figura. Los artistas como Kooning y Mariano daban más importancia al poder de las pinceladas y del contraste de los colores y las formas para poner de relieve el aspecto emocional de sus obras de arte.

Pescador, del artista cubano Mariano Rodríguez, es una pintura en óleo sobre lienzo. Mide 35” de alto x 40” de ancho, lo que equivale a alrededor de 3’ de alto x unos 3 1/2’ de ancho. Cuelga en orientación horizontal, lo que significa que el lado más largo está en paralelo con el piso.

Esta pintura es un ejemplo de abstracción. Las obras abstractas no intentan representar con exactitud objetos o figuras reconocibles. Por lo regular se componen de diversas formas geométricas o curvas, así como de una amplia variedad de líneas y colores. En Pescador, un fondo amarillo rodea unas figuras geométricas pintadas a todo lo ancho y lo largo del lienzo. Comenzado por la línea central de simetría vertical, la pintura presenta una enorme forma vertical, semejante a una varilla, que la divide por la mitad. En el lado izquierdo, comenzando en la esquina superior, vemos otra forma larga y delgada, parecida a una llave inglesa. Esta forma está en paralelo con el borde izquierdo del lienzo y mide la mitad del alto de la obra. Es blanca con el contorno negro y una proyección de sombra detrás que oscurece el fondo amarillo de la pintura. En la base y en el flanco izquierdo de la forma, hay unas líneas negras semicirculares que parecen ala mitad de un resorte. Dos líneas negras conectan la forma de llave inglesa a una saliente que se proyecta en ángulo desde la columna central.

Continuando hacia la derecha, una vez más la mayor parte del centro de la pintura está ocupado por una enorme forma abstracta en orientación vertical. En el tope de esta, hay una varilla blanca, larga y delgada con un paralelogramo redondeado al final, como si fuera un palo de golf proyectándose hacia arriba. La mitad inferior de la forma tiene el aspecto de una botella de vino. El“ cuello” de esta figura en forma de botella se ensancha un cuarto de círculo, desde donde se extiende en una línea vertical hacia la parte inferior del lienzo. Arremolinada en torno a esta forma amalgamada, hay una oleada de líneas curvas concéntricas, como si fueran redes de pesca lanzadas al océano.

Hacia el lado derecho de la pintura, el fondo amarillo está cubierto por una sombra negra y púrpura que cubre aún más espacio alrededor de las figuras abstractas. Un estrecho triángulo blanco sobresale diagonalmente hacia la esquina inferior derecha, con la punta superior perforando el color negro del fondo para darles una apariencia tridimensional tanto a la figura como a la obra. También hay un trío de líneas negras que cuelgan como cables de alta tensión desde la esquina superior derecha de la obra y se conectan con la figura central.

Mozambique es una obra en la que Mariano explora la idea de lo “grotesco”. Este término proviene de la palabra italiana grotta, que significa gruta, y que fue el que algunos arqueólogos y exploradores utilizaron para describir las intrincadas obras de arte que descubrieron al excavar unas ruinas antiguas, y que a muchos les parecieron misteriosas, pavorosas o insólitas. Sin embargo, el concepto que se pueda tener de lo que es pavoroso o insólito puede variar en distintas sociedades, o incluso de una persona a otra.

Por ejemplo, el título de esta obra se relaciona con un estilo de música y baile que se popularizó en Cuba a principios de la década de 1960. Pello el Afrokán, cuyo verdadero nombre era Pedro Izquierdo, fue el músico afrocubano que puso de moda este estilo. Dado que en esta pintura se emplean tonos oscuros y formas abstractas, es posible que algunas personas la consideren grotesca. Otras tal vez sean capaces de hallar una conexión entre las líneas en naranja brillante y este ritmo tan movido, alegre y excitante.

A continuación podrá escuchar la versión original del mozambique de Pello el Afrokán y llegar a su propia conclusión.

Mozambique es una pintura en óleo sobre lienzo. Mide 35” de alto x 30” de ancho, lo que equivale a casi 3’ de alto x alrededor de 2 1/2’ de ancho. Cuelga en orientación vertical, lo que significa que su lado más corto está en paralelo con el piso de la galería.

Esta obra tiene elementos realistas, o al estilo de la pintura tradicional, que intentan representar con precisión figuras u objetos del mundo real. También tiene elementos de abstracción, lo que significa que el artista prefiere resaltar la forma, el color y la emoción más que la exactitud de la representación física.

En Mozambique predominan dos figuras de apariencia humana, ambas de pie y mirando hacia el espectador. Una es más realista y se reconoce con facilidad como la silueta o el contorno de un humano. La otra es más abstracta y está pintada en colores más brillantes y con trazos más anchos y menos precisos.

El humano abstracto se encuentra frente a la silueta humana más realista, ocupando el primer plano y la línea de simetría vertical de la obra. El contorno del rostro, los hombros y las manos ha sido creado con gruesas pinceladas en un naranja brillante. En la mano izquierda, hacia la derecha del espectador, la figura sostiene contra su cintura el tope de un tambor. Las vivaces pinceladas de naranja que conforman la mano derecha nos indican que la figura está a punto de golpearlo. Dos columnas de pintura naranja aplicada erráticamente representan las piernas, las cuales se extienden hasta el borde inferior del lienzo,.

A la derecha de la figura anaranjada, el rostro y el brazo izquierdo del boceto humano están pintados con líneas en azul pálido y lavanda en contraste con el fondo negro de la pintura. Esto hace que la figura humana realista adquiera una apariencia fantasmagórica. El brazo izquierdo de esta, a la derecha del espectador, cuelga a su costado, con los nudillos indicados con una pincelada blanca apenas visible. La mayor parte del torso y el brazo derecho de esta persona está tapada por la figura anaranjada. La mano derecha se puede ver a la izquierda de la figura abstracta, casi tocando el borde izquierdo del lienzo. La pierna izquierda del humano de aspecto espectral es una línea delgada de pintura lila en contraste con el fondo negro de la pintura.

En un principio, Cuba siempre fue el tema bajo influencia, pero para la década de 1970, Cuba y El Caribe no sólo eran tema, sino también influencia. En The Orange, o La naranja, los temas caribeños se hacen visibles en las gradientes del fondo rojo oscuro y de la enorme fruta cítrica que flota como en un atardecer húmedo y caluroso. Las mujeres y los desnudos femeninos también predominan en las obras de Mariano, como es el caso de la mujer desnuda tendida en la parte de abajo de la pintura. La representación de esta figura refuerza la idea de Cuba y de esta etapa de su carrera como lugares de disfrute y placer, vistos desde una perspectiva masculina. Con todo y eso, la pintura también tiene una cualidad onírica y difusa, como si se tratara de un espejismo. ¿Será real o será el producto de la imaginación anhelante de un viejo?

Mariano fue un hombre que vivió durante las mayores revueltas del siglo XX y que fue asimilando las influencias circundantes para producir un vasto acervo de obras variadas. Sin embargo, si echamos un vistazo hacia el pasado, podemos ver que esas influencias tuvieron sus propias influencias. A continuación se muestra una obra del siglo XIX creada por el pintor francés Jean Auguste Dominique Ingres y que está cargada de significado, ya que representa a una mujer idealizada desde el punto de vista de un hombre. La gran odalisca plasma la idea de un europeo, para quien la mujer es la encarnación de una tierra exótica y distante llena de placeres, sin darle mucha consideración al sujeto de la pintura, ni a lo que piensa o desea. Quizás en sus momentos más auténticos, Mariano nunca dejó de ofrecernos variaciones sobre un tema.

La naranja es una pintura en óleo sobre lienzo del pintor cubano Mariano Rodríguez. Mide 51” de alto x 39” de ancho, lo que equivale a alrededor de 4’ de alto x un poco más de 3’ de ancho. Cuelga en orientación vertical, lo que significa que su lado más corto está en paralelo con el piso de la galería.

Esta pintura consta de dos elementos principales, una enorme naranja y una mujer desnuda. El tercio superior del lienzo está pintado en un rojo subido. En la esquina superior derecha, el rojo se va oscureciendo hasta volverse morado, alrededor de una forma irregular, casi como si fuera un cardenal en el lienzo. Esta banda superior de pintura roja también va adquiriendo un poco de naranja a medida que se acerca a los otros dos tercios del lienzo. En el centro de esta banda, flota una enorme naranja redonda con la mitad superior ensartada en la pintura roja. Del diámetro horizontal derecho de la naranja, nace un tallito marrón horizontal, parecido a una ramita con dos hojas en la punta señalando hacia el borde derecho, que se extiende en paralelo con la parte de arriba y de abajo del lienzo. La naranja está pintada del color homónimo, con un poco de verde y algunas áreas en un naranja más claro en el centro del círculo.

El fondo de los dos tercios inferiores del lienzo se compone de áreas inconexas en verde y blanco. A lo largo del tercio inferior del lienzo, se ve el esbozo de una mujer desnuda. Los contornos son de color púrpura, pero también hay sombreado púrpura en algunas partes del cuerpo. Comenzando por la izquierda, la mujer se encuentra boca abajo, ocultando la cabeza donde tiene doblado el brazo izquierdo. Tiene el cabello amarrado en una cola de caballo que le cae sobre la espalda. El contorno de la espalda se va estrechando para formar la cintura. La parte inferior del cuerpo está un poco torcida hacia el espectador, mostrando los glúteos y su hendidura, además de la parte trasera de ambas piernas. A la altura de la cintura, los contornos se ensanchan para representar el volumen curvilíneo de las nalgas. Desde ese punto, el contorno de las piernas va cayendo diagonalmente para delinear los tendones de corva y, por último, las pantorrillas, las cuales desaparecen por el borde derecho del lienzo.

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