Patty Chang
Patty Chang es una artista estadounidense muy conocida por sus performances artísticas. El performance es un tipo de obra que se realiza mediante acciones y movimientos del artista u otros participantes. Puede ser filmada o presentada en vivo. El video de Chang Untitled (eels) (Sin título [anguilas]) se exhibe en MY BODY, MY RULES y es un ejemplo del tipo de performance filmada.
En Untitled (eels), Chang utiliza su cuerpo de un modo que incomodaría a la mayoría de las personas. Imagina cómo te sentirías si tuvieras anguilas arrastrándose por dentro de tu blusa. Quizás la obra nos hace pensar en las reglas que conciernen a las mujeres, sus cuerpos y la ropa que deben usar. Chang ignora con valentía las reglas sociales establecidas y se coloca en una variedad de situaciones incómodas, dándonos la oportunidad de reflexionar no solo sobre su performance, sino sobre todas las situaciones físicamente incómodas que enfrentan las mujeres.
Naomi Fisher
Nacida en Miami, ciudad que sigue siendo su hogar, Naomi Fisher ha trabajado con diversos materiales y técnicas durante las pasadas dos décadas.
Su fotografía Untitled (Pink Lilies, Ferns) (Sin título [Lirios rosados, helechos]) forma parte de la exposición MY BODY, MY RULES (MI CUERPO, MIS REGLAS) y se exhibe junto a otras obras de mujeres artistas en un formato llamado “galería”. En este formato, las obras se colocan en una pared más cerca entre sí de lo que normalmente estarían en el museo.
Esta imagen nos muestra muchos objetos y experiencias que podríamos asociar con Miami. Los helechos verdes y los lirios rosados que menciona el título son ejemplos de la abundante vegetación tropical miamense.
La persona que aparece en la foto está de espaldas a nosotros. Podemos ver las marcas de su bronceado, que quizás nos recuerden el clima soleado que destaca a Miami.
Durante casi un siglo, la industria del turismo ha utilizado imágenes de mujeres disfrutando el exuberante ambiente de Miami. La foto de Fisher también hace referencia a esta ciudad, pero de una manera distinta por varios motivos. La foto no fue hecha por un hombre, como lo son la mayoría de las fotos publicitarias, y tampoco da por sentado que el público es masculino.
Miami es la ciudad estadounidense más grande fundada por una mujer, Julia Tuttle. De cierto modo, Naomi Fisher está recreando una visión de Miami desde un punto de vista femenino, igual que su antecesora histórica.
Frances Goodman
Frances Goodman vive y trabaja en Johannesburgo, Sudáfrica. Esta artista utiliza técnicas mixtas, y sus obras están hechas de muchos materiales distintos. Es famosa por usar uñas de acrílico y otros materiales que son raros en las obras de arte.
La obra Spit/Swallow (Escupe/traga) está compuesta de tubos de luz de neón que forman el perfil de una mujer en rosado y su saliva en azul. Goodman nos pide que pensemos en las muchas veces que las mujeres tienen que contenerse, o tragarse sus pensamientos u opiniones. Esto sucede por variedad de razones. Una de ellas son las expectativas de ciertas culturas o etnicidades sobre lo que debe ser la conducta femenina. En otros casos, las mujeres pueden ser víctimas de violencia simplemente por expresar lo que piensan. El acto de “escupir” en esta obra podría ser una alusión a todas las mujeres valientes que se han expresado, a veces a costa de enormes riesgos personales.
Existen incontables ejemplos de mujeres de todo el mundo que siguen haciendo reclamos sobre sus derechos y el control de sus cuerpos. En el año 2020 se cumplió el centenario del sufragio, o derecho al voto femenino, en Estados Unidos. Este fue ratificado en 1920 por la enmienda 19 de la Constitución, gracias al esfuerzo de mujeres que llevaban décadas organizándose, marchando y protestando, incluso a riesgo de ser arrestadas.
La Marcha de las Mujeres, realizada en enero de 2017, es un ejemplo más reciente de expresión pública por parte de las mujeres.
Lee Matarazzi
Las obras de Lee Materazzi que se exhiben en MY BODY, MY RULES son parte de una serie mayor de fotografías. Es esta serie vemos retratos de modelos, a veces la propia artista, que posan al desnudo. Las modelos tienen la cara cubierta por líos de ropa, como si llevaran la cabeza envuelta en un montón de ropa para lavar.
La ropa en esta obra podría significar distintas cosas. Quizás Materazzi quiere recordarnos el hecho de que, en el hogar, muchas veces se espera que sea la mujer quien lave la ropa y haga otras tareas sin remuneración. O quizás la artista quiere que pensemos en las leyes y reglas sociales que todavía hoy siguen decidiendo la forma en que deben vestirse las mujeres.
Las poses de las modelos en estas fotos pueden parecernos familiares porque las hemos visto a través de la historia del arte. En el pasado, muchos artistas hombres utilizaban mujeres desnudas como modelos y las pintaban en poses similares. Quizás Materazzi nos dice que está tomando control de ese estilo de fotografía, siendo a la vez la creadora y la modelo.
Ana Mendieta
En su serie de fotografías titulada Siluetas en México, Ana Mendieta representa la integración de su cuerpo con la naturaleza y se abre a la posibilidad de la reencarnación. La publicación Our America: The Latino Presence in American Art cita las siguientes palabras de Mendieta: “A través de mis esculturas de tierra y cuerpo, me fundo con la tierra… Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza se convierte en una extensión de mi cuerpo”. La artista quiso explorar la función arquetípica de la mujer dentro del ciclo de la naturaleza y la vida, y creía en el poder sanador de los objetos con carga espiritual. Su producción entre las décadas de 1970 y 1980 abrió las puertas a las artistas inmigrantes y las artistas de color en Estados Unidos.
Algunas obras de Mendieta aluden a una de las primeras representaciones del cuerpo humano, la Venus de Willendorf, que se cree estaba asociada con la fertilidad.
Izquierda: Venus de Willendorf Derecha: Mendieta, Sin título (Guanaroca [Primera mujer]), 1981/1994.
Sus obras también refuerzan la perspectiva feminista en el contexto del “land art” (literalmente “arte de la tierra”), que en los años setenta estaba dominado por hombres.
Izquierda: Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970 Derecha: Mendieta, Silueta de arena, 1978
El 18 de noviembre del 2020, un día antes de inaugurarse MY BODY, MY RULES, Ana Mendieta debió haber cumplido 72 años. Su muerte súbita y prematura en 1985 es un hecho que sigue siendo controversial y discutido.
De hecho, en el 2014, un grupo de activistas feministas protestó por su ausencia, y por el silencio en torno a su muerte, durante la apertura de una exposición en Nueva York. Uno de sus letreros decía: “Quisiera que Ana Mendieta estuviera viva todavía”.
Wangechi Mutu
You tried so hard to make us away (Trataron tanto de hacernos desaparecer) es una obra de la artista keniana-estadounidense Wangechi Mutu. Está realizada en técnica mixta, con tinta, pintura acrílica, escarcha de brillo, piel y papel de contacto sobre Mylar.
Lo mismo que sus diversos materiales, este collage de Mutu alude a diversos temas relacionados con la mujer, su cuerpo y las reglas sociales que la afectan forma explícita o implícita.
La figura que domina el collage está mirando en dirección opuesta a nosotros, y nos deja ver su parte trasera. Está inclinada hacia atrás, y de su torso salen numerosas extremidades que parecen raíces de alguna planta. De esta figura sale también una más pequeña, con un brazo extendido hacia el frente y el otro hacia atrás. Quizás se está agarrando a la figura más grande, o separándola en dos.
Las formas que parecen raíces recuerdan a los árboles de mangle. Estos árboles se encuentran a lo largo de muchas costas tropicales, en lugares como Florida, el Caribe y África. En este collage, Mutu hace alusión a las mujeres negras en la historia de las Américas, pero también a la forma en que han sido borradas de esa historia.
Las mujeres negras han estado presentes en los principales movimientos feministas de Estados Unidos. Sin embargo, los movimientos liderados por mujeres blancas a través del tiempo han tardado en reconocer sus intersecciones y coincidencias con las luchas de las mujeres negras y otras mujeres de color.
Maria Nepomuceno
3 Mulheres (3 mujeres), de Maria Nepomuceno, es una escultura en técnica mixta. Está hecha de cuentas, soga, barro, piezas de cerámica y la técnica del trenzado que distingue a Nepomuceno. Esta diversidad de materiales refleja en muchos aspectos la diversidad de mujeres que se observa en Brasil, país natal de la artista.
Brasil es el país más grande de Suramérica, con una población numerosa y racialmente diversa. Recientemente, los grupos de derechos femeninos en Brasil comenzaron a abogar por extender los derechos y el acceso de las mujeres a los recursos económicos. Puede que en teoría haya igualdad de derechos, pero, igual que en Estados Unidos, factores como raza, clase, género y otros marcadores de identidad presentan barreras para la igualdad y la equidad.
Marielle Franco, figura política de Brasil, es un ejemplo de una mujer que vivió las divisiones raciales y económicas de ese país. En 2016 fue elegida concejala de Río de Janeiro, con la agenda de abogar por las madres negras pobres y de clase trabajadora. Puso de relieve la dura realidad del diario vivir en las favelas o arrabales de Río Janeiro y sus alrededores.
En la imagen de arriba, Franco exhorta a sus compatriotas a confrontar la discriminación por motivo de raza y género. Franco es un ejemplo de una mujer latinoamericana negra que utilizó la protesta, la defensa de causas y su propia voz para tratar de cambiar estas injusticias. Por atreverse a hablar, fue asesinada en 2017. Los cargos contra sus asesinos aún se están investigando.
Christina Quarles
Forced Perspective (And I Kno It’s Rigged, But It’s tha Only Game in Town) (Perspectiva forzada [y sé que está trucada, pero es la única alternativa]) es obra de la artista Christina Quarles. Está realizada en pintura acrílica sobre sobre grandes paneles de lienzo. Mide unos 16 pies de alto y 21 pies de ancho, y ocupa toda la altura de la pared de la galería. A menudo se exhibe con algunas secciones de lienzo colocadas en el piso. Por favor, camina con cuidado.
Quarles utiliza distintas técnicas para explorar la yuxtaposición de identidades. Esta pintura imita una superficie plana, como una pared texturada o una especie de empapelado, con varias aberturas o ventanas. Dentro de estos cuadros cortados en el lienzo hay figuras desnudas, con piernas y brazos extendidos en poses exageradas. Este proceso de “engañar al ojo” para que piense que una superficie plana tiene profundidad se llama en francés trompe l’oeil y en español “trampantojo”. Existen otras técnicas, como la perspectiva lineal, que Quarles emplea para construir una tercera dimensión en esta pintura. Esto puede observarse en el cuadrado negro de la izquierda inferior. Las líneas que marcan el contorno de este cuadrado están pintadas en ángulos distintos, y así dirigen a la menta hacia un punto de fuga en un espacio imaginario, más profundo que la pintura misma.
Quarles, quien se identifica como mujer queer y cisgénero, es consciente también de que su piel clara oculta el hecho de que su padre es negro. Los distintos marcadores que se acumulan y traslapan en su identidad son un ejemplo de interseccionalidad, un término acuñado por la abogada y académica estadounidense Kimberlé Crenshaw. En vez de que la identidad esté compuesta de elementos parciales o fraccionarios, Crenshaw propone que estos elementos están superpuestos unos encima de otros. Este concepto ha sido adoptado por numerosas feministas desde el año 2000, a medida que el feminismo ha ido creciendo para abarcar los derechos de las personas trans y más voces de etnias no blancas.
Zilia Sanchez
La obra Sin título de Zilia Sánchez es un ejemplo de sus trabajos más conocidos, donde combina elementos de la escultura y la pintura.
En esta pieza, dos círculos grises al centro de un espacio blanco se proyectan hacia afuera. La obra está pintada en un lienzo que ha sido moldeado sobre una armazón de madera. Las dimensiones de alto y ancho aluden al formato de una pintura, pero la obra sobresale de su plano, es decir, también tiene profundidad. Es por esto que también podría considerarse una escultura en relieve. El relieve es un tipo especial de obra tridimensional, donde las formas están pegadas a una superficie plana.
Las obras de Sánchez se han dado a conocer por sus “matices eróticos”. Esto significa que ciertas figuras y formas podrían interpretarse como partes del cuerpo relacionadas con el sexo. A lo largo de la historia humana, tanto hombres como mujeres han creado arte y lo han analizado críticamente; sin embargo, por mucho tiempo eran solo los hombres quienes tenían fama y autoridad. Aunque podamos ver los senos de una mujer en esta obra, ¿quién tiene el poder de definirla como “erótica”? Quizás las formas de Sánchez sean solo una celebración del cuerpo femenino, sin ningún significado sexual.
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