Conoce más sobre los artistas de INTERTIDAL(Intermareal) a través de sus propias palabras.

Estos fragmentos forman parte de una serie de entrevistas que reúne a un grupo de artistas incluidos en la exposición INTERTIDAL 2025–2026 de PAMMTV, cuyas prácticas reflejan las fuerzas que dan forma a nuestros mundos compartidos y personales. Keisha Rae Witherspoon ofrece una perspectiva conmovedora sobre la comunidad, los medios y los rituales del duelo, mientras que Yucef Merhi traza el impacto cultural de las primeras tecnologías, desde el Atari hasta la actual revolución digital. domingo castillo flores dirige la mirada hacia el tejido urbano de Miami y su paisaje social en constante transformación, mientras que Liz’Bow retoma los ritmos de la cultura popular, la vida de barrio y la identidad visual para dar forma a su trabajo.

Aunque no forma parte de esta serie de entrevistas, también queremos reconocer a Jacolby Satterwhite, cuyas prácticas visionarias en performance y video continúan siendo una fuente de inspiración. Abrimos este espacio para honrar su influencia y expresar nuestros más sinceros deseos de una pronta y completa recuperación.

Keisha Rae Witherspoon

Pérez Art Museum Miami (PAMM): ¿Puedes presentarte y contarnos un poco sobre la historia detrás de tu obra T (2019), incluyendo su título?

Keisha Rae Witherspoon: Soy una creadora nacida en Miami, mitad jamaicana y mitad estadounidense. Crecí en un hogar caribeño donde el arte realmente no era el enfoque. Esa parte de mi vida la reprimí durante mucho tiempo. En cuanto a T, surgió en la época del asesinato de Trayvon (Martin). Trayvon forma parte del simbolismo de la “T” y de la hipervisibilidad de las muertes de personas morenas y negras a manos de las fuerzas del orden. Había algo en cómo las cámaras corporales revelaban estas situaciones de manera constante, sin que hubiera justicia —al menos una justicia satisfactoria— ante lo que estábamos viendo. No podría decir que mis ideas tengan un origen claro; más bien, mi mente funciona a partir de imágenes, destellos y símbolos.

Imaginé un baile ficticio donde las personas celebrarían a quienes murieron ese año, como un ritual anual para seres queridos que fueron asesinados. No quería que fuera completamente ficticio, así que fue también una invitación real a la comunidad para reunirse, bailar y celebrar. Mezclé a miembros reales de la comunidad con los intérpretes que invitamos como elenco. Mucha gente tampoco sabe que T está completamente guionada. Es una pieza híbrida, cercana al documental, para la cual quería una estructura, pero dejando todo el espacio posible para la improvisación de los personajes o intérpretes. T también es Tupac, T también es la cruz. Es, de nuevo, una extensión de esos destellos que tengo en la mente.

Yucef Merhi

PAMM: Yucef, nos encanta escuchar cómo los artistas hablan de sí mismos. ¿Podrías presentarte y contarnos más sobre tu obra SORRY (LO SIENTO, 2015)?

Yucef Merhi: Empecé a desarrollar mis visiones, mis obras y esta relación con las máquinas y el lenguaje desde muy temprana edad. A los siete años recibí mi primer Atari 2600 como regalo de cumpleaños. La experiencia tenía un sabor especial porque era un objeto físico, tangible, que podías sostener en las manos. También implicaba enfrentarte a fallas y errores en estas máquinas. Pero además me introdujo a una nueva forma de realidad que estaba en la pantalla, que era interactiva y tenía como misión entretener. Pero, honestamente, yo no quería entretenerme. Quería comunicarme con la máquina; ese fue mi impulso inicial: quería hablar con el Atari, tener una especie de conversación.

Terminé construyendo un teclado que conecté al Atari, y encontré un cartucho que me permitió acceder a su memoria, de modo que podía programarlo y escribir instrucciones. Encontré libros de programación en la biblioteca pública. A los ocho años ya tenía algunas obras que, de alguna manera, se acercaban a sistemas donde la pantalla mostraba la traducción del lenguaje de programación al lenguaje natural, y del lenguaje natural al lenguaje visual. Así, se podía ver todo el proceso de cómo el código se convierte en una película. Mi infancia estuvo rodeada por la presencia de esta tecnología, y ese fue el punto de partida de mi interés no solo por la tecnología computacional y los dispositivos, sino también por descifrar el misterio del lenguaje, porque yo usaba el lenguaje, pero este lenguaje también era un lenguaje programado.

Más adelante, descubrí que las computadoras también estaban imitando el comportamiento humano. Creo que ahora es evidente que no solo intentamos emularnos, sino que buscamos superarnos desde un punto de vista lógico y analítico. Esto es importante tenerlo en cuenta, porque estamos desarrollando algo que imita la inteligencia intelectual, pero existen muchas formas distintas de inteligencia. Como seres humanos, contamos con una variedad de inteligencias que no se limitan únicamente a la inteligencia verbal o intelectual.

domingo castillo flores

PAMM: ¿Podrías presentarte y hablarnos un poco sobre la historia detrás de tu obra en la exposición Intertidal de PAMMTV, Surface Image: Epilogue: (Version), (Imagen superficial: Epílogo: [Versión]), 2015–2026?

domingo castillo flores: Mi nombre es Domingo Castillo Flores. Trabajo como artista en Miami desde alrededor de 2006. Surface Image: Epilogue: (Version) forma parte de un proyecto más amplio titulado Surface Image, que examina Miami a través de los medios que han dado forma a su construcción. Por ejemplo, las imágenes que los desarrolladores inmobiliarios producían cuando Miami aún era un pantano, los videos y películas que realizaban para vender la ciudad. Version analiza videos hechos a mediados de la década de 2010 sobre Miami, que en ese momento proyectaban la ciudad diez años hacia el futuro. De hecho, la mayoría de los edificios que aparecen en esa película no estaban terminados; estaban en construcción o buscando financiamiento. Desde entonces, la mayoría se ha completado. Por eso, cada vez que la pieza se presenta, el año se extiende, porque la película nunca está terminada.

En realidad, la película es una obra incompleta porque, durante el proceso de realización, entendí que, dado que la ciudad siempre se proyecta hacia el futuro, la experiencia del presente está compuesta por historias casi inconclusas: lo que se completó y lo que no. Nunca llega a ser del todo una ciudad; permanece en un estado de devenir constante, lo cual resulta muy favorable para la inversión. Quienes viven en la ciudad tienen que lidiar con cambios que irrumpen en el presente y ejercen presión sobre la realidad cotidiana. Por eso la obra existe de manera mutable: cada uno de sus elementos examina distintas partes de la historia de Miami y de ese proceso continuo de transformación.

LIZ’BOW

PAMM: Nos encantaría que se presentaran y nos contaran cómo se conocieron, así como la historia detrás de la obra Niñalandia Skycoaster (Aero-coaster de Niñalandia, 2024), actualmente en PAMMTV.

Liz’Bow: Somos Liz y Bow.

Liz: Nos conocimos hace diez años.

Bow: Nos conocimos en Chicago. Yo estaba en una fiesta trabajando como “lámpara humana”. Es un trabajo donde básicamente solo puedes hacer contacto visual con las personas. Entonces Liz me conoció como la lámpara.

Liz: Fui a Chicago por primera vez, había hecho una residencia artística cerca de ahí. Luego fui a la fiesta y vi esta lámpara al otro lado del cuarto. Pensé: “¿Quién es esa lámpara?”. Me acerqué a Bow y empecé a hablarle durante horas. Pero Bow, como dijo, solo podía hacer contacto visual, no responder. Empecé a llamar a todos: “¿Ya viste esta lámpara? Vamos a ver si rompe el personaje”. Luego tuve que irme y Bow seguía trabajando, así que no pudimos hablar realmente. No podía dejar de pensar en la lámpara. Una amistad en común nos conectó, y le escribí a Bow a la mañana siguiente. Le invité a un performance en el que yo participaba con los gemelos de Poncili Creación. Le dije: “Ven a nuestro show”, y Bow respondió: “Ya tengo planes”. Esos planes eran ir a nuestro show, sin saber que era el mismo. Cuando por fin pudimos hablar, hicimos una lista en una hoja de cálculo de cosas que queríamos hacer juntos. Es algo natural y a la vez extraño: ¿quién conoce a alguien y empieza a hacer una lista enorme de proyectos en común? Fue como un momento mágico.

Bow: Como dijo Liz, hicimos esa lista, con diez o veinte ideas, y ahora, diez años después, hemos realizado casi todas. Uno de nuestros primeros proyectos juntos fue con museos: talleres de identidad en nuevos medios con niñas y niños. Les hacíamos preguntas como: “¿Qué cosas del mundo no son reales?” o “¿Cómo sería el mundo si lo fueran?”. Luego les pedíamos que dibujaran, que usaran objetos como vestuario, los fotografiábamos frente a pantalla verde. Todo esto era muy divertido, y después nos íbamos a casa a crear imágenes complejas que tomaban muchísimo tiempo, algo que quizá no tiene sentido en un taller infantil, pero se veía increíble. Luego regresábamos con ellos y les mostrábamos los resultados; reaccionaban y se veían a sí mismos de una forma nueva.

Bow: Niñalandia es como un mundo completo, un universo.

Liz: Exacto. Es un proyecto en curso en el que hemos trabajado durante años. No es nuevo, simplemente seguimos expandiéndolo.

Bow: Comenzó como el fondo de video para uno de nuestros shows y, con el tiempo, se transformó en objetos tridimensionales. Fue absorbiendo distintos aspectos de nuestras vidas.

Liz: Queremos que este universo no exista solo en lo digital, sino traerlo al mundo físico. Hay tanto dentro de él que pueden surgir muchísimos objetos y posibilidades. Podemos “ir de compras” dentro de nuestros propios videos y pensar: “Esto funcionaría como escultura”.

Bow: Sí, gran parte de la motivación es traer esos elementos al mundo real: hacer el mundo un poco más rosa, un poco más femenino, llevar leche a las nubes, incorporar todos esos elementos de nuestro universo.